eXtrenos de ayer: "Homicidio en primer grado"

HOMICIDIO EN PRIMER GRADO
El caso que cerró Alcatraz

FICHA TÉCNICA

Título original: Murder in the first

Dirección: Dan Gordon

País: Estados Unidos

Año: 1995

Duración: 120 min.

Género: Drama

Reparto: Kevin Bacon, Christian Slater, Gary Oldman, Embeth Davidtz, Brad Dourif, William H. Macy, R. Lee Ermey, Kyra Sedgwick, Ben Slack, Mia Kirshner, Stephen Tobolowsky

Productora: Warner Bros. Pictures

Fotografía: Fred Murphy

Guión: Dan Gordon

Montaje: Russell Livingston

Música: Christopher Young

Sinopsis: Inspirada en una historia real acontecida en los años 30, "Homicidio en primer grado" narra los dramáticos hechos que tuvo que vivir Henri Young (Kevin Bacon), un necesitado joven que, tras robar apenas 5 dólares en una oficina de correos, da con sus huesos en la cárcel de Alcatraz (San Francisco), la cárcel de máxima seguridad para los criminales más peligrosos.

Henri intenta sin éxito fugarse de la prisión y, como consecuencia de ello, es condenado a la celda de confinamiento, un lugar donde, como máximo, los presos sólo pueden alojarse 19 días. Henri, sin embargo, pasa años allí en la más absoluta oscuridad y totalmente solo.

Cuando Henri es sacado de allí su mente se encuentra totalmente perturbada, algo que le llevará a asesinar a un compañero. Su caso es encomendado al joven abogado James Stamphill (Christian Slater), el cual luchará para defender a su cliente, intentando demostrar que la prisión de Alcatraz es la responsable del estado mental del acusado, algo que debería salvarle de la pena de muerte.

CRÍTICA MÍSTICA

La historia que narra esta película es de las que ponen los pelos de punta. Nuestros escalofríos son sin cabe aún mayores cuando pensamos que el guión de "Homicidio en primer grado" no está sacado de la imaginación de ningún guionista, sino que narra acontecimientos reales que acontecieron años atrás en la tristemente famosa prisión de Alcatraz. Y es que, una vez más, la crueldad humana parece no conocer límites. Una historia escalofriante como pocas que narra el castigo al que fue sometido uno de los internos de la prisión al intentar escapar de ella. Condenado a permanecer durante años en una celda de aislamiento cuando la ley solo permitía un máximo de 19 días, éste fue uno de los casos que provocó el cierre definitivo de una cárcel que ha sido escenario de infinidad de películas.

Brillantes Christian Slater y Gary Oldman, pero más brillante aún si cabe un Kevin Bacon que consigue que nos metamos en la piel del protagonista, haciéndonos comprender lo que tuvo que sufrir aquel ser humano encerrado en un cuarto oscuro durante gran parte de su vida.

"Homicidio en primer grado" es otro de esos títulos que uno no llega a comprender por qué no tuvieron más repercusión en el año de su estreno, pero que comprende aún menos cómo pudo caer tan fácilmente en el olvido cuando ésta es para mí una de las mejores películas carcerlarias que se han hecho en toda la historia del cine.

Místico
27/06/2012

eXtrenos de ayer: "Al final de la escalera"

AL FINAL DE LA ESCALERA
Entendiendo el significado del miedo

FICHA TÉCNICA

Título original: The changeling

Dirección: Peter Medak

País: Canadá

Año: 1980

Duración: 107 min.

Género: Thriller, Intriga, Terror

Reparto: George C. Scott, Trish Van Devere, Melvyn Douglas, Jean Marsh, John Colicos, Barry Morse, Madeleine Sherwood, Helen Burns, Frances Hyland, Ruth Springford

Productora: Chessman Park Productions, Tiberius Film Productions

Fotografía: John Coquillon

Guión: Diana Maddox, William Gray

Montaje: Lilla Pedersen

Música: Rick Wilkins

Sinopsis: John (George C. Scott) acaba de perder a su familia de manera trágica y, para superarlo, decide irse a vivir a un apacible y solitario caserón. En él parece encontrar la calma y el recogimiento que tanto necesita. Sin embargo, al poco de tiempo de instalarse allí empiezan a suceder algunos acontecimientos extraños... La casa parece querer decirle algo. El pasado de aquel edificio comienza a revelarse ante John, un pasado que se abrirá de par en par el día que descubre una habitación secreta... ubicada al final de la escalera.

CRÍTICA MÍSTICA

Hablar del género de terror es hablar hoy de un género sin prestigio. Durante muchos años (especialmente en los últimos veinte) la gran mayoría de producciones que se han hecho en este campo han ido destinadas a un consumo rápido, sin pretensiones, casi como se consume una hamburguesa en un local de bandeja de plástico. Y es que el nacimiento de nuevos subgéneros (como el terror teen) no han hecho más que empeorar una situación que ya de por sí se presentaba delicada. No debemos olvidar, no obstante, que existieron grandes títulos que encumbraron este género a cotas que en el siglo XXI parecen poco alcanzables. "Al final de la escalera" fue sin duda uno de ellos.

Esta película de 1979 nos hizo pasar miedo, mucho miedo. Y lo hizo de un modo muy distinto al actual: el miedo psicológico de encontrar una pequeña puerta al final de una escalera, de saberla cerrada, de entender que nadie en muchos años la ha abierto y que nosotros, cuando lo hagamos, nos encontraremos con todo aquello que quedó dentro cuando la puerta se cerró. Y conoceremos el miedo que podrán transmitirnos unas telarañas cubriendo muebles antiguos, de una habitación donde aún parecen resonar los ecos de otra época, donde aún se podría escuchar la respiración de sus antiguos habitantes, donde tras una silla de ruedas cubierta de polvo aún podríamos ver la silueta del niño que antaño la ocupó...

Místico

06/06/2012

eXtrenos de ayer: "Mar adentro"

MAR ADENTRO
La apuesta más poética de Alejandro Amenábar

FICHA TÉCNICA

Título original: Mar adentro

Dirección: Alejandro Amenábar

País: España

Año: 2004

Duración: 125 min.

Género: Drama

Reparto: Javier Bardem, Belén Rueda, Lola Dueñas, Mabel Rivera, Celso Bugallo, Clara Segura, Joan Dalmau, Alberto Jiménez, Tamar Novas

Productora: Sogecine, Himenóptero, UGC Images, Eyescreen

Fotografía: Javier Aguirresarobe

Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil

Montaje: Iván Aledo

Música: Alejandro Amenábar, Carlos Núñez

Sinopsis: Basada en una historia real que sobrecogió a gran parte de la opinión pública, "Mar adentro" narra la historia de Ramón Sampedro (Javier Bardem), un marinero gallego que, tras sufrir un accidente en las costas gallegas queda postrado para siempre en una cama debido a su condición de tetrapléjico.

Tras 30 años de absoluta inmovilidad, Ramón ansía morir con dignidad. Su mundo se ha quedado pequeño, limitado a una habitación a la que irán llegando distintos personajes. Uno de ellos es Julia (Belén Rueda), su abogada, con la que Ramón no tardará en crear un vínculo especial. Otra es Rosa (Lola Dueñas), una vecina con un duro pasado que, enamorada del hombre que se esconde tras aquella cama, intentará convencerle de lo interesante y bella que resulta la vida. Pero Ramón es un hombre con una fuerte personalidad y con un enorme carisma y algo comenzará a cambiar en el interior de estas dos mujeres.

CRÍTICA MÍSTICA

De espectacular se podría clasificar el giro que experimentó la carrera del director Alejandro Amenábar con este título del año 2004. Asociado al género fantástico y de suspense (no hay que olvidar que uno de sus grandes referentes fue siempre Alfred Hitchcock), Alejandro emprendía con este metraje una incursión en un género desconocido hasta la fecha por él: el género dramático. Para ello no sólo volvía a contar con Mateo Gil en labores de ayudante de guión, sino que fichaba a uno de los grandes de nuestro cine (Javier Bardem) y le confiaba al mismo la mayor parte del peso de la cinta.

El actor mostraba con este título gran parte de su consabido talento interpretando de un modo absolutamente convincente un personaje de extremísima dureza, una dificultad que no sólo era fruto de la situación que el mismo vivía, sino especialmente porque se trataba de un personaje real al que se debían rendir los máximos respetos. Bardem aprobó el reto con nota, como casi la totalidad de un reparto que en la noche de los Goya coparon la totalidad de los premios interpretativos. Quizá falló su partenaire, una "simplemente correcta" Belén Rueda redescubierta para el cine y que encarnaba aquí a otro de los personajes más complejos del metraje (fruto de la unión de varios personajes reales).

Una cinta multipremiada, ganadora del Oscar de Hollywood, que batió records en los premios Goya (catorce). Soberbia como no podía ser de otro modo la realización, más teniendo en cuenta lo delicado y polémico del tema que aquí se trataba; poético a rabiar aquel viaje que el alma y la mente de Bardem iniciaban en una ventana y finalizaban en aquella romántica playa; bellísima la banda sonora de melodías gallegas compuesta por el propio Amenábar y más bellos si caben aquellos versos con los que finalizaba la cinta sabiamente extraídos de las "Cartas desde el infierno" de Ramón Sampedro. Sin duda el mejor punto y final para un post como éste:

"Mar adentro,
mar adentro.

Y en la ingravidez del fondo
donde se cumplen los sueños
se juntan dos voluntades
para cumplir un deseo.

Un beso enciende la vida
con un relámpago y un trueno
y en una metamorfosis
mi cuerpo no es ya mi cuerpo,
es como penetrar al centro del universo.

El abrazo más pueril
y el más puro de los besos
hasta vernos reducidos
en un único deseo.

Tu mirada y mi mirada
como un eco repitiendo, sin palabras
'más adentro', 'más adentro'
hasta el más allá del todo
por la sangre y por los huesos.

Pero me despierto siempre
y siempre quiero estar muerto,
para seguir con mi boca
enredada en tus cabellos."

Ramón Sampedro

Místico
17/05/2012

eXtrenos de ayer: "La lista de Schindler"

LA LISTA DE SCHINDLER
La extrema dureza de un título poético

FICHA TÉCNICA

Título original: Schindler's list

Dirección: Steven Spielberg

País: Estados Unidos

Año: 1993

Duración: 195 min.

Género: Drama, histórico, bélico, biográfico

Reparto: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes, Caroline Goodall, Jonathan Sagall, Embeth Davidtz, Malgoscha Gebel, Shmuel Levy, Mark Ivanir, Béatrice Macola

Productora: Universal Pictures, Amblin Entertainment

Fotografía: Janusz Kaminski

Guión: Steven Zaillian

Montaje: Michael Kahn

Música: John Williams

Sinopsis: "La lista de Schindler" es un devastador relato sobre el Holocausto judío, sobre la tragedia vivida por millones de seres humanos en los campos de concentración desde la perspectiva de un industrial nazi.

Oskar Schindler, reputado hombre de negocios y amigo de las altas esferas alemanas, se adentra en el horror de los campos de exterminio una vez decide buscar beneficios de las ayudas que los nazis pueden darle a una de sus empresas. Una vez conoce el horror por el que millones de seres humanos tienen que atravesar en los campos de exterminio, decide involucrarse en su ayuda y, gracias a innumerables sobornos, salvar la vida de más de un millar de hombres y mujeres de una muerte segura.

CRÍTICA MÍSTICA

Hablar de "La lista de Schindler" no es una empresa fácil, como tampoco lo es juzgar esta película de un modo objetivo cuando lo que se narra en ella nos llega del modo que lo hace ésta. Muchas han sido las películas que nos han contando, con un mayor o menor acierto, la dureza vivida en los campos de concentración y exterminio judío y todas ellas, a poco que se esforzaron, consiguieron tocarnos la fibra más sensible. Y es que hablamos de un capitulo tan grotesco de nuestra historia, tan absolutamente espeluznante, que no resulta difícil arrancarnos una lágrima a poco que nos esbocen cuatro líneas de lo allí sucedido.

"La lista de Schindler" es por tanto una película dura (durísima), que nos arranca la lágrima en multitud de ocasiones al tiempo que consigue ponernos los pelos de punta en tantas otras. Hasta aquí nada extraordinario. Y es que si a pesar de ello, su único mérito hubiese sido éste, la cinta no merecería mayores atenciones. Sin embargo cuando hablamos de "La lista de Schindler" estamos hablando de una obra maestra y es que el genio de Steven Spielberg, pese a ser judío y sentir esta película como pocos otros podrían sentirla, no se conformó sólo con eso. Tomando muchos riesgos (merecido reconocimiento a la valentía de presentar un metraje de más de tres horas de duración y en blanco y negro), Spielberg nos mostraba toda una obra poética que encumbraba y homenajeaba la figura de Oskar Schindler como pocas veces se había hecho, presentándolo como una de las pocas almas vestida de piel nazi donde aún latía un corazón humano. Su desgarradora banda sonora, su impactante lenguaje simbólico (aquella niña del vestido rojo que Schindler ansiaba salvar en el cartel de esta película), el poder de las miradas de Liam Neeson y Ralph Fiennes (nunca tan geniales como en esta cinta), la indiscutible fuerza del blanco y negro, la absoluta visceralidad de una parte final que nos encogía el corazón para siempre... Tantos momentos para recordar, tantas instantes memorables, tanta sensibilidad y respeto en cada una de sus delicadas secuencias que es de recibo encumbrar este título más allá de su merecido Oscar a la mejor película. ¡Enhorabuena, Spielberg!

Y eso que venía de rodar Parque Jurásico...

Místico

29/04/2012

eXtrenos de ayer: "Amantes"

AMANTES
El triángulo que marcó para siempre al cine español

FICHA TÉCNICA

Título original: Amantes

Dirección: Vicente Aranda

País: España

Año: 1991

Duración: 103 min.

Género: Criminal, drama, romance

Reparto: Victoria Abril, Jorge Sanz, Maribel Verdú, Enrique Cerro, Mabel Escaño, Alicia Agut, José Cerro, José Escano, Gabriel Latorre, Saturnino García

Productora: Televisión Española (TVE), Pedro Costa Producciones Cinematográficas S.A.

Fotografía: José Luis Alcaine

Guión: Álvaro del Amo, Carlos Pérez Merinero, Vicente Aranda

Montaje: Teresa Font

Música: José Nieto

Sinopsis: Basada en un famoso crimen real.

"Amantes" cuenta la historia de un joven del Madrid de 1955 que, recién salido del servivio militar, decide establecerse en la capital. En su mente está casarse con su novia de toda la vida, pero en su camino se le cruza una atractiva mujer, dueña de la habitación que ha alquilado en Madrid, con la que no tarda en comenzar una relación.

Obsesionado con su amante, el joven irá distancíándose cada vez más de su novia, hasta el punto de tomar una sobrecogedora decisión.

CRÍTICA MÍSTICA

Existen algunos títulos que allá por comienzos de los 90 ayudaron a engrandecer un mediocre cine español y lo llevaron al nivel que ostenta hoy día. "Amantes" fue sin duda uno de ellos. Una cinta que marcaría para siempre la filmografía de un magistral Vicente Aranda y que nos ayudó a muchos a creer en la calidad del cine patrio.

Muchos fueron los aciertos que tuvo este título frente a un solo patinazo. El primero de ellos: sus dos actrices principales. Una siempre grandiosa Victoria Abril y una sorprendente Maribel Verdú que se comieron plano a plano al mayor error de esta cinta, un error que en este caso tenía nombre propio: Jorge Sanz. La elección del actor protagonista no pudo ser más equivocada, más aún si tenemos en cuenta la calidad de sus compañeras de reparto: una Victoria y una Maribel simplemente soberbias.

Otro de los aciertos fue sin duda su guión. Un guión duro, que en su momento fue duramente criticado por su alta carga sexual, pero que componían unas escenas absolutamente necesarias en un título como éste. Vicente Aranda, Pedro Almodóvar y Bigas Luna siempre tuvieron fama de elevar de forma excesiva la temperatura en sus películas, pero en el caso de Vicente, y más concretamente en este título, de forma absolutamente necesaria.

Conmovedora como pocas, sobrecogedora hasta el extremo, más si tenemos en cuenta que se basaba en una historia real. Aquella última secuencia frente a la Catedral de Burgos, con esa nieve absolutamente improvisada (no estaba prevista la nieve en aquel día de rodaje) quedaron grabadas a fuego tanto en mi memoria como en la historia del cine español.

¡Bravo, Aranda!

Místico

19/04/2012

eXtrenos de ayer: "Titanic"

Cuando justo hoy se cumplen 100 años del accidente marítimo más famoso de todos los tiempos, y aprovechando su reestreno en las salas (esta vez en formato 3D) estaba claro que el "eXtreno de ayer" no podía ser otro...

Sirva de homenaje desde aquí.

TITANIC
La grandeza de un título histórico

FICHA TÉCNICA

Título original: Titanic

Dirección: James Cameron

País: Estados Unidos

Año: 1997

Duración: 194 min.

Género: Drama, romance

Reparto: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Frances Fisher, Gloria Stuart, Bill Paxton, Bernard Hill, David Warner, Victor Garber

Productora: Twentieth Century-Fox Film Corporation, Paramount Pictures, Lightstorm Entertainment

Fotografía: Russell Carpenter

Guión: James Cameron

Montaje: Conrad Buff IV, James Cameron, Richard A. Harris

Música: James Horner

Presupuesto: 200.000.000,00 $

Sinopsis: Jack Dawson (Leonardo DiCaprio) es un joven artista que gana en una partida de cartas un pasaje para América a bordo del trasanlántico más grande y seguro del mundo: el Titanic. A bordo del mismo conocerá a Rose DeWitt Bukater (Kate Winslet), una bella joven que está a punto de contraer matrimonio con un hombre al que no ama pero cuya fortuna puede salvar el buen nombre de su familia.

A priori son dos jóvenes muy diferentes, de clases sociales totalmente distintas, pero el amor no tarda en surgir entre ellos. El Titánic se convertirá de este modo en el escenario en el cual los amantes vivirán su bella historia prohibida.

Sin embargo, en una fría noche de abril, el Titanic choca contra un iceberg, comenzando un lento pero progresivo hundimiento. Los pasajeros son conscientes entonces de que tienen que luchar por salvar su vida, algo que pondrá el amor entre Jack y Rose definitivamente a prueba.

CRÍTICA MÍSTICA

Han pasado ya casi quince años desde que se estrenara esta cinta, quince largos años a lo largo de los cuales tan sólo un título posterior conseguiría arrebartarle uno de los dos records que aún hoy ostenta. Fue hasta hace apenas un par de año la cinta más taquillera de la historia del cine (sólo superada hoy día por "Avatar"), así como la que mayor número de Oscars atesora en la actualidad (compartiendo este record, eso sí, con "Ben Hur" y la tercera parte de "El Señor de los Anillos"). A esto hay que sumar el que en su momento se conviertiese, como era previsible, en la producción más cara rodada en la historia.

Y es que "Titanic" es ya algo más que un clásico. Estoy seguro que dentro de muchos pero que muchos años podremos contar a nuestros nietos que nosotros estuvimos en el estreno de la película, que fuimos unos privilegiados porque vivimos en primera persona todo el fenómeno que se desató a su alrededor, porque "Titanic" es ya uno de esos títulos cuyo huella jamás será borrada de la historia del séptimo arte, uno de los títulos más representativos de nuestro cine más reciente.

Cierto es que la pereja protagonista no terminaba de cuajar (por mucho que a mí finalmente sí me convencieran), cierto también es que ésta ha sido una de esas películas que más polémicas ha despertado, bien fuese por sus errores de raccord o por los fallos argumentales y narrativos que poseía el guión, pero lo que nunca debemos olvidar es que "Titanic", por encima de cualquier polémica, fue una película muy bien hecha.

La magistral puesta en escena cuidada hasta el más mínimo detalle (réplicas exactas del barco original convertidas en el más exigente de los atrezzos), unos efectos especiales brillantes, una fotografía digna de Oscar, una dificilícima dirección superada con nota por un magistral James Cameron y unos Leonardo di Caprio y Kate Winslet que, pese a diversas controversias, consiguieron ganarse su imborrable hueco en la historia. Quizá falló el guión, innecesariamente largo en su primera parte, pero que conseguiría engancharnos a medida que iba avanzando la historia.

Reconozco que me emocioné viendo esta cinta, y no sólo por la historia que me contaron (que sin duda también), sino especialmente por comprobar que cuando Hollywood quería aún sabía rodar títulos inolvidables. ¡Enhorabuena, Cameron!

Místico

14/04/2012

eXtrenos de ayer: "La boda de mi mejor amigo"

LA BODA DE MI MEJOR AMIGO
Una película hecha a medida

FICHA TÉCNICA

Título original: My best friend's wedding

Dirección: P.J. Hogan

País: Estados Unidos

Año: 1997

Duración: 105 min.

Género: Comedia romántica

Reparto: Julia Roberts, Dermot Mulroney, Cameron Diaz, Rupert Everett, Philip Bosco, M. Emmet Walsh, Rachel Griffiths, Carrie Preston, Susan Sullivan

Productora: TriStar Pictures, Predawn Productions, Zucker Brothers Productions

Fotografía: László Kovács

Guión: Ronald Bass

Montaje: Garth Craven, Lisa Fruchtman

Música: James Newton Howard

Presupuesto: 46.000.000,00 $

Sinopsis: Michael (Dermot Mulroney) va a casarse con Kimberly (Cameron Diaz). Por esta razón se pone en contacto con su mejor amiga, Julianne (Julia Roberts), de la que años atrás estuvo totalmente enamorado, para invitarle a la boda, una boda por todo lo alto que se celebrará en apenas cuantro días.

La noticia coge por sorpresa a Julianne, quien viaja directamente hasta Chicago para yudar con los preparativos. Sin embargo Julianne viaja con otro objetivo dentro de su maleta: va firmemente decidida a detener la boda y robarle el novio a Kimberly.

Apenas quedan unos pocos días para la celebración de la boda y Julianne tendrá que poner en juego todas sus cartas para acabar con la relación y separar para siempre a los felices novios.

CRÍTICA MÍSTICA

Ésta fue una de las películas más apropiadas para el lucimiento de Julia Roberts, un título de 1997 hecho a la absoluta medida de la megaestrella del momento que, como no podía ser de otro modo, "la novia de América" no dejó escapar.

"La boda de mi mejor amigo" es una comedia romántica un tanto extraña. Y es que en esta cinta (y no creo que a estas alturas estropee el final a nadie) la "chica" no sólo no termina con el "chico", sino que además la protagonista de la historia, a través de la cual vivimos toda la trama, es en este caso la "mala" de la misma. Un punto de vista ciertamente original que supuso el reencuentro de Julia Roberts con un género al que debía tanto y que nunca en un título como en éste ("Pretty Woman" aparte, claro) se había lucido de un modo tan acertado. Aquella melena rojiza y rizada que tanto había enamorado a Richard Gere volvía ocho años después a encandilar a millones de fans repartidos por todo el planeta. Y lo hacía acompañada de unos actores que, aunque en cierto modo estaban eclipsados por ella, supieron estar a su altura. El que más juego dio fue Rupert Everett. El personaje de amigo gay de la heroina resultaba de un peso tal que trascendía el concepto de personaje secundario, un divertidísimo segundo partenaire de la Roberts que dejaba explotar toda la vis cómica que atesoraba el actor inglés. Cameron Díaz, en su papel de adorable novia del protagonista, nunca resultó tan encantadora en ninguna cinta (como diría el propio personaje de Julia Roberts en este film: "Si no tuviese que odiarla, la adoraría") y Dermot Mulroney demostraba con este título que no sólo Richard Gere poseía aquella química tan brutal con la protagonista de "Elegir un amor".

Una historia divertidísima, con unos personajes más divertidos aún y una canción para el recuerdo... ¿A quién no le ha venido alguna vez a la cabeza aquel "I Say a Little Player (For You)" cuando estaba aburrido sentado a la mesa?



Místico

04/04/2012

eXtrenos de ayer: "El laberinto del fauno"

EL LABERINTO DEL FAUNO

Brillantez técnica y argumental

FICHA TÉCNICA

Título original: El laberinto del fauno

Dirección: Guillermo del Toro

País: España y México

Año: 2006

Duración: 112 min.

Género: Drama, Fantástico

Reparto: Sergi López, Maribel Verdú, Ivana Baquero, Álex Angulo, Ariadna Gil, Doug Jones, César Bea, Manuel Solo, Roger Casamajor.
Productora: Tequila Gang, Esperanto Filmoj, Estudios Picasso, OMM Productions, Setentia Entertainment

Fotografía: Guillermo Navarro

Guión: Guillermo del Toro

Montaje: Bernat Vilaplana

Música: Javier Navarrete

Presupuesto: 14.000.000 €

Sinopsis: Año 1944. Ofelia (Ivana Baquero) es una niña de 13 años que, acompañada de su madre embarazada (Ariadna Gil), se traslada a un pequeño pueblo donde se encuentra destacado el capitán del ejército franquista Vidal (Sergi López), el nuevo marido de su progenitora por el que Ofelia no siente ninguna simpatía. El capitán Vidal tiene por encargo terminar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes colindantes.

En el molino que sirve al capitán de centro de operaciones, Ofelia conocerá a una serie de personajes que le marcarán la vida para siempre. Una de ellas es Mercedes (Maribel Verdú), una joven que se encuentra al cargo de los demás miembros del servicio y el otro, un extraño fauno (Doug Jones), al cual encuentra una noche y que terminará abriéndole las puertas de un mundo tan fantástico como peligroso.

CRÍTICA MÍSTICA

Uno de esos títulos que optas por ver en más de una ocasión. Guillermo del Toro, en un universo donde nadie se manejaba tan bien como él, nos presentaba este cuento dramático donde fantasía y realidad se unían formando un todo. Muchos quedamos boquiabiertos ante el derroche técnico y argumental que se plasmaba en la imaginación de una niña que intentaba huir inútilmente de la durísima realidad que le rodeaba, pero que terminaba atrapada en el engaño de sus propias fantasías, porque escapar de una realidad como aquella resultaba simplemente imposible.

Un plantel de actores impecable, donde una brillantísima Maribel Verdú nos recordaba a personajes de antaño, cuando esta actriz conseguía encogernos el corazón con cada una de sus palabras. Una cinta que nos presentaba a una Ivana Baquero que se convertiría aquel año en la absoluta revelación de nuestro cine y a un Sergi López que, como ya venía siendo habitual, nos enseñaba a todos lo que era una interpretación en mayúsculas.

Nunca en la historia de los Oscars se vio a tantos españoles subir a recoger un premio como en el año en el que "El laberinto del fauno" pisaba la alfombra roja. Aquella noche la cinta se llevaba de calle un importantísimo número de premios técnicos pero, lamentablemente, lo haría bajo bandera mexicana, porque desde el Ministerio de Cultura se retiró el apoyo a este título para favorecer a "Volver" y a la nominación de Penélope Cruz. ¡Menudo patinazo de nuestra ministra cuando ni siquiera mencionó las seis nominaciones que la cinta había cosechado el día que se hizo pública la lista de nominados 2006! Sí se acordaba en cambio de las nominaciones de dos de nuestros cortometrajistas, dejando con ello claro que era muy consciente de la GRANDÍSIMA METEDURA DE PATA que habían tenido con este título. La pena de todo esto es que será difícil que se vuelva a repetir algo parecido y que nuestro cine tenga la oportunidad de dejar el listón tan alto como "El laberinto del fauno" pudo dejarlo aquella noche.

¡Lástima, de verdad!

Místico

29/03/2012

eXtrenos de ayer: "Memento"

MEMENTO
Una estructura narrativa tan extraña como asombrosa

FICHA TÉCNICA

Título original: Memento

Dirección: Christopher Nolan

País: Estados Unidos

Año: 2000

Duración: 113 min.

Género: Thriller, Intriga

Reparto: Guy Pearce, Carrie Anne-Moss, Joe Pantoliano, Mark Bonne Junior, Russ Fega, Jorja Fox, Stephen Tobolowsky, Harriet Sansom Harris

Productora: Summit Entertainment, Newmarket Capital Group, Team Todd, I Remember Productions

Fotografía: Wally Pfister

Guión: Christopher Nolan

Montaje: Dody Dorn

Música: David Julyan

Presupuesto: 5.000.000,00 $

Sinopsis: Leonard es un hombre que padece una extraña enfermedad. Como consecuencia de ella sólo es capaz de recordar aquello que le ha sucedido en los últimos minutos, esfumándose de su memoria todo recuerdo anterior.

Leonard recuerda que su mujer ha sido asesinada, pero nada más. En la búsqueda por saber qué se oculta tras el asesinato de su esposa, se adentra en un mundo donde todo juega en su contra, especialmente el tiempo.

CRÍTICA MÍSTICA

No creo equivocarme si afirmo con rotundidad en este blog que "Memento" es la película más "original" que he visto en mi vida... Y no le doy este adjetivo porque su guión sea de esos que nos deja a todos con la boca abierta, ni tampoco porque sea una de esas peliculas cuya estética y puesta en escena le otorgan una personalidad indiscutible. Si analizamos este título bajo estos prismas, "Memento" es una más de tantas. Un thriller con algunos momentos de interés, una historia más o menos interesante, pero una de tantas...

La originalidad de esta cinta radica en su estructura, en su montaje. Pero cuidado... Un montaje en nada parecido a aquel que se puso tan de moda con "Pulp Fiction" y que González Iñarritu explotó hasta la saciedad. Aquí no hablamos de historias cruzadas que forman un entramado espacio-temporal con cierto toque transgresor. No, "Memento" es una película mucho más sencilla que todo eso (o compleja, según se mire). La obra de Christopher Nolan simplemente se narra al revés.

¿Y por qué esta estructura? Lo mejor sin duda de todo su desarrollo es la justificación de dicha construcción narrativa. Existe un trastorno llamado amnesia anterógrada que provoca, en los sujetos que la padecen, la incapacidad de almacenaje de nuevos acontecimientos en lo que vendría a llamarse memoria a largo plazo. En otras palabras, en el momento en el que estos sujetos pierden la concentración en aquello que estaban haciendo, pierden automáticamente el recuerdo de dichas acciones. El protagonista de esta cinta padece dicho trastorno y el espectador que ve la película, lo padece con él. Todas y cada una de las secuencias de la misma están invertidas en su orden. Aquí no hay flasbacks ni flashforwards, aquí simplemente todo va en sentido inverso.

Leonard (Guy Pearce) padece amnesia anterógrada, algo que le dificulta enormemente su vida cotidiana pero que no le aleja ni un solo instante del objetivo que lleva marcado: encontrar al asesino de su mujer. Con cada uno de los saltos de secuencia nosotros, al igual que su protagonista, perdemos el sentido de todo lo que conocíamos hasta ese momento: ¿Qué hace ahora Leonard en este escenario? ¿Quién es la chica que se encuentra frente a él? ¿Y por qué sonríe de ese modo tan extraño?

Todo un ejercicio de memoria y retención que se hacen necesarios para ver este título y entender el conjunto tras los créditos finales, porque sólo cuando termina la cinta es cuando podemos empezar a reconstruir el puzzle completo con las piezas que nos han ido dando a lo largo del film... Eso o verla de nuevo con el mando a distancia en la mano e invirtiendo el orden de visionado de cada secuecia, que así todo tiene más sentido pero claro, se le quita toda la gracia.

Místico

21/03/2012

eXtrenos de ayer: "Tesis"

TESIS

El nacimiento de un nuevo cine en España

FICHA TÉCNICA

Título original: Tesis

Dirección: Alejandro Amenábar

País: España

Año: 1996

Duración: 125 min.

Género: Thriller, Terror

Reparto: Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Miguel Picazo, Xabier Elorriaga

Productora: Sogepaq, Las Producciones del Escorpión S.L.

Fotografía: Hans Burman

Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil

Montaje: María Elena Sáinz de Rozas

Música: Alejandro Amenábar, Mariano Marín

Sinopsis: Angela (Ana Torrent) es una licenciada en ciencias de la información que prepara su tesis sobre la violencia audiovisual, para lo cual cuenta con la ayuda de su director, Figueroa (Miguel Picazo), que se compromete a buscarle películas para su trabajo.

En su intento por ayudar a la joven, Figueroa descubre en la videoteca de la Facultad unas galerías con cientos de cintas, siendo encontrado muerto poco tiempo después, al parecer por un ataque al corazón, tras visionar una de esas cintas de vídeo. Ángela es quien encuentra el cadáver y no tiene reparos en llevarse la película que el profesor estaba viendo en el momento de su muerte: se trata de una snuff movie, una cinta en la que se filma el asesinato real de una persona inocente.

Ángela sospecha que en la Facultad existe una red de tráfico de estas películas. ¿Pero quién es el responsable de todas ellas?

CRÍTICA MÍSTICA

Creo firmemente que esta película marcaría un "antes" y un "después" en nuestro cine más español. Es posible que otros títulos ya hubiesen abierto el camino para ello, un camino que llevaría a entender nuestro cine de un modo diferente al tratado hasta la fecha, pero fue Alejandro Amenábar y su ópera prima "Tesis" los que se alzaron como abanderados absolutos de tan necesario cambio. Quizá fuese por el género que trataba, tan poco habitual en los proyectos de la época; tal vez la diferencia radicase en su ritmo, tan inusual en lo que a producciones patrias se refería o quizá lo diferente lo encontrábamos en su planteamiento, donde los diálogos eran una mera excusa para hacer avanzar la historia... pero el caso es que "Tesis" lo cambió todo.

La película, protagonizada por una "recuperada" Ana Torrent y un desconocido Eduardo Noriega, supuso un brillantísimo punto de partida para uno de los directores más talentosos que había dado nuestro cine pero, como buena ópera prima que era, también estaba salpicada de bastantes errores. Podríamos hablar por ejemplo de ciertos fallos en el guión, los cuales dejaban claro que el mismo estaba escrito por gente muy pero que muy joven: desarrollo con varios finales, diálogos tan "americanizados" que resultaban poco convincentes, soluciones rápidas e injustificadas a situaciones complejas... (¿alguien entiende de dónde salía el cuchillo con el que Ángela se liberaba de las cuerdas en aquel famoso garaje?). Errores que no sólo se plasmaron en el guión, sino también especialmente en la dirección de los propios actores. Por aquellos tiempos Amenábar era un director mucho más técnico que artístico y esto se notaría especialmente en el trabajo de Fele Martínez, cuyo interesante personaje era absolutamente destrozado por un intérprete que injustamente ganaría el Goya al mejor actor revelación aquel año.

Toda estas erratas (en cierto modo lógicas) no desmerecieron en absoluto el mérito de la película, una cinta que se convertiría en la absoluta sorpresa de la edición de los Goya de aquel año. Y es que "Tesis" no sólo conseguía dejarnos una incómoda inquietud tras su sufrido visionado, sino que analizaba como pocas películas lo hicieron nuestros instintos más morbosos, haciéndonos entender una vez más que, cuando se sugería y no se mostraba, los efectos conseguidos podían ser absolutamente sobrecogedores.

Místico

14/03/2012

eXtrenos de ayer: "El bosque"

EL BOSQUE
El talento que se escondió en el bosque

FICHA TÉCNICA
Título original: The village
Dirección: M. Night Shyamalan
País: Estados Unidos
Año: 2004
Duración: 108 min.
Género: Thriller, Intriga
Reparto: Joaquín Phoenix, Bryce Dallas Howard, Adrien Brody, William Hurt, Sigourney Weaver
Distribuidora: Buena Vista International Spain
Productora: Touchstone Pictures, Scott Rudin Productions, Blinding Edge Pictures, Covington Woods Pictures Inc.
Presupuesto: 71.682.975,00 $
Fotografía: Roger Deakins
Guión: M. Night Shyamalan
Montaje: Christopher Tellefsen
Música: James Newton Howard
Sinopsis: En un pequeño pueblo de pueblo de finales del siglo XIX los pobladores viven en armonía en un entorno idílico. Lo único que les inquieta es la existencia de unas criaturas que viven en el bosque que les rodea ("Aquellos de los que nunca hablamos"). Nadie se atreve a aventurarse más allá de los límites del pueblo. Sin embargo, un joven Lucius Hunt (Joaquin Phoenix), a pesar de las advertencias de sus mayores, decide ir más allá y adentrarse en las espesuras del bosque.

CRÍTICA MÍSTICA

Resulta curioso cuánto puede diferir la valoración de una película según quién la visiona, los gustos que tenga o las expectativas que se depositen en la misma. Si ha existido un título en los últimos años con el que he conseguido despertar toda la polémica, sin duda ése es "El Bosque".

M. Night Shyamalan se dio a conocer al mundo cuando, allá por 1999, sorprendió a todo un planeta con una cinta protagonizada por un talentoso niño de diez años llamado Haley Joel Osment (ese mismo año nominado al Óscar por esta interpretación) y un desconocido Bruce Willis en un título que pasaría a la historia gracias principalmentalmente a su inesperado giro final: "El sexto sentido". Hubo quien encumbró a este joven director de origen indio en aquel mismo instante sin tener en cuenta lo prematuro del encumbramiento, pues Shyamalan tan sólo nos había mostrado su valía en este título.

La producciones que siguieron a tan famosa cinta nos dejaron a todos con un amargo sabor de boca. Se confiaba muchísimo en este director, pero sus muestras de talento quedaron reducidas a la mínima expresión en títulos como "El protegido", "Señales", "La joven del agua" o "El incidente". Ahora, hubo una excepción...

En 2004, tras la gran decepción que habían supuesto sus dos últimos trabajos, Shyamalan presentaba al mundo el que ya sería el sexto de sus títulos: "El bosque". Como iba siendo habitual, contaba con un atractivo plantel de actores, entre los que destacaban nombres como Sigourney Weaver, William Hurt, Joaquín Phoenix o Adrien Brody. La cinta se presentaba como una película de época dentro del género fantástico y de terror y, estoy absolutamente seguro de ello, ahí estuvo el error. Aquellos que acudieron a ver "El bosque" lo hacían con la intención de pasar miedo y lo que encontraron en las salas no podía ser más diferente. La nueva propuesta de Shyamalan no iba enfocada para nada en ese sentido, aunque su campaña publicitaria así lo indicase. La propuesta era mucho más arriesgada, pero los espectadores quizá se sintieron tan "engañados" que no apreciaron que lo que se les estaba dando era infinitamente mejor que cualquier cinta plagada de saltos de butaca.

"El bosque" era una critica a la condición humana, a las relaciones que se establecían en una sociedad, a lo que se daba por hecho o se dejaba entrever, a los valores que la mantenían en pie, a los miedos de la misma... Algunos de sus diálogos mostraron el verdadero talento que creíamos definitivamente perdido en Shyamalan. Mención especial para dos de ellos: Joaquín Phoenix y una brillante Bryce Dallas Howard en el porche de su casa, cuando el joven le declara el amor que profesa hacia ella y un segundo del mismo Joaquín, esta vez con su madre en la ficción (Sigourney Weaver), intentando explicarle por qué razón cree en el amor que por ella siente William Hurt (aquel famoso "nunca te toca"). En ambos diálogos Shyamalan muestra una sensibilidad y un conocimiento del ser humano que estaría por encima de cualquier polémica. A todo esto sumemos un final, desde mi punto de vista, tan sorprendente como pudo ser el del más famoso de sus títulos y encontramos una bella obra que profundizaba en los más oscuros rincones de cualquier comunidad, al mismo tiempo que abría una nueva ventana de esperanza a los que aún seguíamos confiando en el director indio. Pero claro está, hubo muchos que se molestaron por no dar saltos en la butaca...

Místico
05/06/2011

eXtrenos de ayer: "Brokeback Mountain"

BROKEBACK MOUNTAIN
Cuando sobran las palabras

FICHA TÉCNICA
Título original: Brokeback Mountain
Dirección: Ang Lee
País: Canadá, Estados Unidos
Año: 2005
Duración: 134 min.
Género: Drama, Romance, Western
Reparto: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams, Anne Hathaway, Randy Quaid
Productora: Paramount Pictures
Presupuesto: 14.000.000,00 $
Fotografía: Rodrigo Prieto
Guión: Diana Ossana, Larry McMurtry
Montaje: Dylan Tichenor, Geraldine Peroni
Música: Gustavo Santaolalla
Sinopsis: Ennis Del Mar y Jack Twist se conocen mientras hacen cola para pedir trabajo al ranchero del pueblo. Ambos jóvenes tienen muy claro el futuro que desean: conseguir un trabajo fijo, casarse y tener hijos. Sin embargo, algo en su interior les hace buscar algo más. Su nuevo trabajo les manda de pastores a la majestuosa Brokeback Mountain y, poco a poco, lo que empieza como amistad se convierte en algo mucho más profundo.

Basada en un relato de Annie Proulx.

CRÍTICA MÍSTICA

Fue una película sin duda polémica, especialmente para la Academia. Y no porque tratase el tema de la homosexualidad de un modo bastante explícito (Hollywood estaba ya "aburrido" de producir y financiar este tipo de films), sino porque por primera vez esto se hacia dentro del género "yanqui" por excelencia: el western. ¡Y ahí si que no! Que existan gays estereotipados en comedias románticas o gays terminales enfermos de SIDA en grandes dramas... eso sí, pero gays dentro del mundo rudo de los vaqueros y, encima (para colmo), tan "normales" como cualquier protagonista de las películas que otrora se rodaban en Almería, ¡eso sí que no! ¡Hasta ahí podíamos llegar! Y si hay que quitarle el Oscar a última hora en beneficio de una simplemente correcta "Crash", pues se le quita y punto... ¡Faltaría más!

La ironía de todo esto es que "Brokeback Mountain" ni siquiera era una película del oeste. Su estética así lo indicaba, pero Ennis y Jack eran simples "pastores" que se dedicaban a cuidar ovejas y que en ningún momento enfundaron un arma. Pero, qué narices, y aunque lo hubiesen sido... Una verdadera pena, porque todas estas polémicas sólo sirvieron para ensuciar y enturbiar una de las más bellas historias de amor rodada en los últimos años. Y eso es lo que nunca deberíamos olvidar los amantes del buen cine. Sólo con eso deberíamos quedarnos para hacer justicia a este título.

Basada en un relato corto de Annie Proulx, siempre recordaré "Brokeback Mountain" como la película de los silencios. Pocas veces los mismos han dicho tanto en un misma cinta. Tan importante lo que se dice como lo que se calla. Silencios que se mantienen porque sobra con las miradas, porque no existen palabras que expresen mejor algunos sentimientos, las miradas cruzadas entre un Heath Ledger simplemente soberbio y un Jake Gyllenhaal que supo estar a su altura.

Y también recordaré su banda sonora, aquella música tan sencilla pero con tanto poder desgarrador que le valió a Gustavo Santaolalla para ganar un Oscar. Una banda sonora que ya debería formar parte de la historia del cine.

El mayor de mis homenajes para este título, uno de los pocos en los últimos años que me ha hecho replantear que en Hollywood aún se pueden hacer buenas películas. ¿Será porque su director es taiwanés?...

Místico

03/05/2011

eXtrenos de ayer: "Cadena perpetua"

CADENA PERPETUA
Algunos pájaros no pueden ser enjaulados

FICHATÉCNICA
Título original: The shawshank redemption
Dirección: Frank Darabont
País: Estados Unidos
Año: 1994
Duración: 142 min.
Género: Drama
Reparto: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, William Sadler, Clancy Brown, Gil Bellows
Guión: Frank Darabont
Productora: Castle Rock Entertainment
Presupuesto: 25.000.000,00 $
Dirección: Frank Darabont
Fotografía: Roger Deakins
Montaje: Richard Francis-Bruce
Música: Thomas Newman

Sinopsis: La vida de Andy Dufresne, un joven banquero de éxito, cambia drásticamente cuando un tribunal le encierra injustamente de por vida, en una prisión de alta seguridad, por el asesinato de su esposa y de su amante.
En la prisión, Andy traba amistad con Red Redding, un preso atípico y muy respetado con el que descubre la mafia de sobornos y el mercado negro de la cárcel.
No sólo se gana el respeto de los presos sino también el del despiadado director del centro, para el cuál trabajará como contable.

CRÍTICA MÍSTICA

Basada en una novela de Stephen King, "Cadena Perpetua" se ha convertido para mí en una de las mejores (si no la mejor) adaptación para la pantalla grande de uno de los relatos del escritor americano. Y eso que hablamos de uno de los autores más prolíficos que ha tenido la industria del cine. Películas como "Los chicos del maiz", "Carrie", "El resplandor", "Misery", "La milla verde", "El Cazador de sueños", "1408" o "La niebla" son sólo algunos de los títulos de King que fueron llevados en su momento a la gran pantalla. Hablamos de más de 40 producciones, de las cuales apenas media docena merecen hoy el reconocimiento. Lo que más asombra de "Cadena Perpetua" es la poca correspondencia que mantiene con el resto de la obra de King. Conocido por sus relatos fantásticos o de terror, ésta es una de las pocas historias (junto con quizá "Cuenta conmigo") en la que nada de lo que sucede en ella rompe las leyes lógicas de la madre naturaleza.

Es posible que por esta razón la historia posea la fuerza que posee, sin olvidar, claro está, las excelentes interpretaciones de un Tim Robbins y un Morgan Freeman cuya química se nota ya en el primer plano que comparten juntos. Frank Darabont, su director, refuerza un relato corto del autor americano y le aporta un ritmo, una cadencia y unos giros argumentales que consiguen que el espectador mantenga en todo momento el interés por lo que sucede en el interior de aquella cárcel, ya sea en su punto de máximo climax como simplemente acompañando a los internos por sus paseos rutinarios en el patio de reunión. Quizá sólo en "La milla verde" Darabont alcanzó esa nivel de realización, pero allí la historia terminaría por escapársele a King de las manos (algo bastante frecuente en casi todas sus obras) y las consecuencias también las pagaría en este caso Frank (que conste aquí que pese al innecesario toque fantástico final de esta última obra, considero que es también uno de los mejores trabajos de su carrera).

La brillantez de un guión con aquellos giros inesperados (especialmente el que a Ryta Hayworth, Marilyn Monroe y Raquel Welsh se refiere), sus grandes interpretaciones o su pulcro trabajo técnico, dieron a esta película diez merecidísimas nominaciones a los Oscar pero, sorprendentemente, ni uno solo de los premios. Oscars aparte lo que está claro es que esta título ya forma parte de la historia. Relanzó la carrera de un irregular Morgan Freeman, nos confirmó el talento que ya conocíamos de Tim Robbins y nos demostró a todos que existían historias de Stephen King dignas de ser llevadas a la gran pantalla. Aunque aquel año todos los premios fuesen para "Forrest Gump"...

Místico
29/12/2010

eXtrenos de ayer: "El show de Truman"

EL SHOW DE TRUMAN

Título original: The Truman show
Dirección: Peter Weir
País: Estados Unidos
Año: 1998
Duración: 103 min.
Género: Drama, Ciencia ficción
Reparto: Jim Carrey, Laura Linney, Noah Emmerich, Natascha McElhone, Holland Taylor, Brian Delate, Blair Slater, Ed Harris
Distribuidora: United International Pictures (UIP)
Productora: Paramount Pictures, Scott Rudin Productions
Presupuesto: 60.000.000,00 $
Fotografía: Peter Biziou
Guión: Andrew Niccol
Montaje: Lee Smith, William M. Anderson
Música: Burkhard von Dallwitz

Sinopsis: Truman Burbank es la estrella de un programa de TV... pero no lo sabe. Un hombre cuya existencia se ha convertido en la serie más popular y duradera de la historia de la pequeña pantalla. Truman desconoce que su ciudad es un gigantesco plató dirigido por un avispado productor, realizador y guionista; que la gente que vive y trabaja allí son actores de Hollywood; y que incluso su esposa es una actriz contratada. Poco a poco, Truman irá dándose cuenta de todo...

CRÍTICA "MÍSTICA"

Tengo que reconocer que no me gusta Jim Carrey. Sus excentricidades, sus sobreactuaciones y esa técnica actoral más propia de un payaso de feria no han comulgado jamás conmigo. Es posible que siendo un bebé me hiciera gracia que me pusiesen "caras", pero de adulto entiendo el humor de un modo bastante distinto. No me gustan sus películas, posiblemente tampoco me interesan, por lo que no recuerdo sus títulos como merecedores de figurar en una sección que dedico por entero a hablar de "mi cine". Esto en un pricipio es así, una verdad tan incuestionable como que existen las puestas de sol. Ahora, como no podía ser de otro modo (y ésa es la magia del arte, de la naturaleza y posiblemente de la vida), hay un caso diferente, una excepción, una película protagonizada por Jim que es absoluta merecedora de figurar en este apartado. Hablo de "El show de Truman".

La idea original era de lo más arriesgada, original e innovadora. Una idea que podía funcionar desde el primer momento o no encajar para nada con el público al que iba destinada. Tengamos en cuenta que hablamos de un título de 1998 y el fenómeno "Reality Show" no llegaría a España, por ejemplo, hasta bien entrado el año 2000. Y es que "El show de Truman" hablaba de algo que aquí podíamos no entender del todo. ¿Qué sentido tenía llenar una casa de cámaras? ¿A quién le podía interesar tanto la vida de alguien al que ni siquiera conocía? Pero vaya si lo entendimos...

"El show de Truman" fue una película adelantada a su tiempo, totalmente profética. Y es que si existe algo que hace que este título aún mantenga su fuerza, quizá sea el hecho de que cada vez veamos menos improbable que algún día llegase a existir un Truman auténtico. La película de Carrey, por lo tanto, se alzaba como una crítica no sólo a los medios de comunicación (los cuales podían justificarlo todo por aumentar unas décimas su share), sino especialmente al público que los consumía, el mismo público que hoy día demanda cada vez más REALIDAD en la televisión.

La elección del actor principal, por otra parte, no podía ser más atrevida. Jim Carrey era hasta ese momento sólo conocido por sus desquiciantes comedias, por lo que interpretar a Truman, un personaje con tanta carga dramática detrás, suponía un auténtico reto para él.

El resultado final una vez más me sorprendió, dejándome, por qué no decirlo, también cierta inquietud. Otras películas (como la muy reciente en aquel momento "Abre los ojos") me habían hecho replantear de nuevo el mito de la caverna de Platón, pero ninguna lo había hecho del modo que lo había hecho ésta, conviertiendo a aquellos que me rodeaban en activos partícipes del engaño.

Místico
23/12/2010

eXtrenos de ayer: "Casablanca"

CASABLANCA
LA PERFECCIÓN HECHA GUIÓN
Título original: Casablanca
Dirección: Michael Curtiz
País: Estados Unidos
Año: 1942
Duración: 102 min.
Género: Drama, Romance
Reparto: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, S.Z. Sakall
Guión: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch
Distribuidora: C.B. Films
Productora: Warner Bros. Pictures
Presupuesto: 950.000,00 $
Fotografía: Arthur Edeson
Montaje: Owen Marks
Música: Max Steiner

Sinopsis: La época: la Segunda Guerra mundial. El lugar: Casablanca, una ciudad de fácil acceso pero casi imposible de abandonar, especialmente si tu nombre se encuentra en la lista de los hombres más perseguidos por los nazis.
El principal objetivo de los invasores es el líder checho y héroe de la resistencia Victor Laszlo, cuya única esperanza es Rick Blaine, el propietario del "Rick"s Café", un hombre que no arriesga su vida por nadie... excepto por Ilsa. Ambos encarnan a unos antiguos amantes que vuelven a unirse brevemente en el caos de la guerra.
Cuando Ilsa se ofrece a cambio de un visado que consiga sacar a Laszlo del país, Rick deberá elegir entre su propia felicidad o el idealismo y las numerosas vidas que podrían salvarse.

CRÍTICA "MÍSTICA"

Hace relativamente poco tiempo leí una noticia en la que se destacaba "Ciudadano Kane" como "la mejor película de la historia". La verdad es que no tengo nada en contra de la obra de Orson Welles (aunque a mí personalmente no me llegase su historia) pero creo firmemente que en este caso se estaban valorando más los logros técnicos e innovadores que aportó la película de "Rosebub" que la calidad del metraje en sí, porque si hablamos de guión... Si hablamos del guión, de historia, de profundidad de personajes, de diálogos... ninguna como "Casablanca".

Creo sinceramente (y he visto mucho cine clásico) que éste ha sido el guión más perfecto que se ha escrito jamás. Algunas de sus míticas frases forman ya parte imborrable de la historia del cine, así como muchas de sus imágenes. En pocas ocasiones he sentido tan reales los sentimientos en una pantalla, pocas veces las palabras me han emocionado tanto como aquellas que se escribieron en esos cuadernos, y es que fueron pocos los títulos en los que experimenté una emoción similar a aquella que sentí escuchando a Humphrey Bogart pedirle a Sam que la tocara de nuevo, porque "si ella ha sido capaz de escucharla, yo también".

"Casablanca" es emoción en estado puro, es creer firmemente que existe eso que algunos llaman "amor" (al menos durante algo más de cien minutos) y sentirte parte implicada en lo que allí se narra. Es enamorarse de Hamprhey Bogart o de Ingrid Bergman... o de los dos a la vez. "Casablanca" es cuidado en cada uno de sus planos, en su fotografía, pero espacialmente en todas y cada una de las palabras que reproducen sus actores. Es, en definitiva, cuidar un guión como pocas veces se ha hecho desde entonces. Aunque para algunos "Ciudadano Kane" fuese "la mejor película de la historia del cine"... ¡Ja!

Místico
02/12/2010

eXtrenos de ayer: "El sexto sentido"

EL SEXTO SENTIDO
EL DESENLACE QUE HIZO PASAR UN TÍTULO A LA HISTORIA
Título original:The sixth sense
Dirección: M. Night Shyamalan
País: Estados Unidos
Año: 1999
Duración: 107 min.
Género: Drama, Thriller, Intriga
Reparto: Bruce Willis, Haley Joel Osment, Toni Collette, Olivia Williams, Donnie Wahlberg, Peter Anthony Tambakis, Jeffrey Zubernis, Bruce Norris
Productora: Barry Mendel Productions, Hollywood Pictures, Kennedy/Marshall Company, The, Spyglass Entertainment
Presupuesto: 55.000.000,00 $
Fotografía: Tak Fujimoto
Montaje: Andrew Mondshein
Música: James Newton Howard

Sinopsis: Cole Sear (Haley Joel Osment), de 8 años, vive obsesionado por un oscuro secreto: unos fantasmas le visitan de vez en cuando. Cole tiene miedo de estos seres que surgen de las sombras, con sus problemas sin resolver a cuestas.
Cole, trastornado por sus poderes paranormales, es demasiado joven para entender lo que pasa. Ni siquiera sabe como contarle a alguien su angustia...salvo al Dr. Malcolm Crowe (Bruce Willis), un psicólogo infantil.
El Dr. Crowe intenta descubrir la terrible verdad sobre los poderes sobrenaturales de Cole, pero las consecuencias, tanto para el paciente como para el terapeuta, acabarán produciendo un estremecimiento que les revelará misterios angustiosos e inexplicables.

CRÍTICA MÍSTICA

Para un fanático del género fantástico como es el que escribe, crear una sección de títulos inolvidables y saltarse éste resulta imperdonable. La obra más importante de Night Shyamalan, el título que nos hizo comprender que un giro argumental podía hacer pasar una película a la historia del cine, la obra que dio a conocer al mundo a un prodigioso Haley Joel Osment y que nos hizo creer que Bruce Willis era capaz de hacer algo más en una pantalla que saltar por encima de los coches.

Está claro que "El sexto sentido" es hoy recordada (diez años después de su estreno) por su sorprendente final, pero es de justicia reconocerle otros muchos méritos que hicieron de ésta la mejor de todas las obras de un Shyamalan que fue perdiendo fuerza con el resto de sus títulos ("bosques" aparte). El primero de estos méritos se llamaba Haley, un niño de apenas 10 años que nos dejaba a todos con la boca abierta con una interpretación que le valdría una merecidísima nominación al Oscar. Pero Haley no estaba solo. El resto del reparto supo estar a la altura, desde un Bruce Willis que sorprendía a propios y extraños hasta una Toni Collete que bordaría un papel con una altísima carga dramática.

Del guión de "El sexto sentido", poco se puede añadir ya. Cuidado hasta el extremo en cada una de sus secuencias para llevarnos a una sorpresa final que nos dejaba a todos clavados en la butaca. Unas secuencias que fueron tratadas con bisturí para no perder en ningún momento el sentido una vez fuera descubierto el final, pero al mismo tiempo facilitaran al espectador más hábil los datos necesarios para adelantarse a tan conocido desenlace.

El trabajo de Shyamalan, su planificación, la soberbia utilización del sonido... Muchos aciertos y una frase para la historia del cine: ¿Quién no recuerda a Osment tapado con aquella manta confesándole a Willis aquello de "En ocasiones veo muertos"? Esperemos que Shyamalan nos vuelva a mostrar algún día ese talento, porque "en ocasiones" supo también estar a la altura.

Místico
24/11/2010